Сегодня в прокат выходит южнокорейский хоррор «Поезд на Пусан», и это повод, как минимум, для маленькой ремарки. Режиссёр Ён Сан Хо дебютирует в кино, имея за плечами несколько анимационных фильмов. Сказать, что это заметно и очевидно, было бы художественным преувеличением, но какая-то лёгкость мысли и ничем не ограниченный полёт фантазии в «Поезде…» имеют место.

Зомби-тематика в настоящий момент не просто популярна, сейчас это полноценный бренд, приносящий внушительные деньги. Когда на территорию, «закреплённую» за Голливудом, ступает условный чужак — интересно даже не то, получится у него или нет, а то, что он может привнести и добавить в этот порядком изученный концепт, состоящий из социальной критики и ничем не замутнённой жанровой принадлежности.

Ён Сан Хо не совершает никаких революций, но соединяет в своём детище экшн «Войны миров Z» и смысловой подтекст «Сквозь снег». Точнее, пытается соединить, что само по себе похвально и небезынтересно.

Назвать «Поезд…» каким-то откровением или настоящим жанровым прорывом не повернётся язык. Но это совершенно точно достойный дебют талантливого аниматора, которому в дальнейшем предстоит занимательный выбор: браться за карандаш или снимать кино.

Так вот о новом фильме режиссёра Мела Гибсона «По соображениям совести», рассказывающем реальную историю рядового Десмонда Досса (Эндрю Гарфилд), отказавшегося во время Второй Мировой от ношения оружия по религиозным соображениям, что не помешало ему в качестве медбрата спасти с поля битвы 75 солдат.

Как говорится, этот день мы приближали как могли. А он (день премьеры), с учётом многочисленных обстоятельств, связанных с буйным нравом и неосторожными высказываниями режиссёра Гибсона, мог не случиться вовсе. Но случился. И Мел, отсидевшись в окопах больше положенного, не подвёл.

«По соображениям совести» словно медицинским скальпелем делится на две половины, совершенно разных, но удивительным образом дополняющих друг друга. Поначалу перед зрителем разворачивается старорежимная мелодрама с классическим набором банальностей про взросление и первую любовь главного героя. В этот момент может возникнуть подозрение (и оно действительно возникает!), что на капитанский мостик большого проекта вчерашний голливудский изгой был допущен с рядом важных оговорок и едва ли не связанными руками. Мол, делай как мы скажем и всё будет хорошо. Но не тут-то было! Вторая часть — разворачивающаяся на поле брани — даёт понять, что пороха у Гибсона с достатком, хоть иди раздавай. Для демонстрации ужасов войны (а война это всегда страх, ненависть, кровь, пот, дерьмо, оторванные конечности и вывернутые наизнанку кишки) режиссёр повышает уровень реализма до возможного предела. Война Гибсона — не гламурная картинка, а репортажная съёмка, где вместо патетического саундтрека лишь звуки разрывающихся снарядов и свист пуль.

При этом размышления режиссёра выходят далеко за рамки лобового столкновения жестокого молоха войны (любой войны) и пацифизма. Гибсон вслед за своим героем пытается понять, где во время этой человеческой мясорубки находится Бог. Десмонд Досс проходит через испытания такого накала, что подводящим под ними черту выводом может быть или тотальный атеизм или непоколебимая вера. Иные варианты тут попросту не предусмотрены, их нет.

Гибсон фокусирует внимание на тех переломных моментах, когда мировоззренческий маятник рядового Досса может качнуться как в одну, так и в другую сторону. Это не просто история христианина, проходящего проверку на прочность в максимально жёстких условиях и обстоятельствах, а прежде всего череда неудобных вопросов, связанных с необходимостью нахождения хоть какой-то гармонии между гуманистическим пафосом учения Христа и реальной жизнью. Режиссёр предлагает ответы, но, думается, сама постановка вопроса — куда важнее.

Предыдущие работы Гибсона («Храброе сердце», «Страсти Христовы», «Апокалипсис») окончательно и бесповоротно расставляли точки над i в возможных дискуссиях на тему «на каких таких основаниях голливудская суперзвезда полезла на режиссёрские галеры?» Правда, с момента «Апокалипсиса» минуло десять долгих лет. Кто-то мог и подзабыть. А Мел вернулся. И напомнил. Напомнил, что как минимум после «Страстей…» он в первую очередь выдающийся режиссёр, и только потом — прекрасный артист. Именно в такой последовательности. И никак иначе.

С возвращением!

На этой неделе в прокат вышел художественный фильм «Расплата» режиссёра Гэвина О’Коннора, и по этому поводу хочется сказать несколько слов. Бен Аффлек играет Кристиана Вульфа, бухгалтера с выдающимися математическими способностями, выполняющего аудит различных организаций, зачастую с криминальным прошлым и настоящим. По его следу идут ищейки из министерства финансов во главе с Дж. К. Симмонсом. В самый неподходящий момент Вульф, кажется, влюбляется…

В этом году режиссёр О’Коннор уже успел отметиться болезненным долгостроем «Джейн берёт ружьё», в котором все свалившиеся на проект горести и печали, что называется, остались в кадре. Сколько в том вины постановщика — вопрос открытый, в любом случае на этом фоне работа над «Расплатой» выглядит куда более продуманным действием. Впрочем, такая постановка вопроса не лишена некоторого лукавства. На фоне неудачи (а «Джейн», увы и ах, из их числа) даже посредственный результат выглядит достижением. К «Расплате» такая формулировка — посредственный результат — не применима, но О’Коннор определённо умеет больше и лучше, нежели продемонстрировал в данном конкретном случае.

Главная проблема картины в смысловой непропорциональности её составляющих. Любая история — это пазл, где принципиально важно найти баланс между сюжетными линиями, характерами, сверхидеей (в случае, если она имеет место). «Расплата» хороша при изучении отдельно взятых элементов, но теряет (частично) шарм, когда на экране появляются финальные титры. Частый упрёк к фильмам подобного рода — недокрутили, тут же всё ровно наоборот. Получился не недолёт, а перелёт. Слишком много ниточек пришлось связывать воедино. И вроде увязали, но с холодной головой (что нормально) и сердцем (что хуже).

Получилось смотрибельно, местами по-настоящему мастеровито, но слабее, чем могло бы быть.

На прошлой неделе в прокат вышел сиквел «Джека Ричера», о котором, с одной стороны, говорить совсем необязательно, а с другой — необходимо. Это тот самый случай, и случай очень яркий, показательный, когда вся прелесть первого фильма уничтожена и раздавлена фундаментальной неповоротливостью продолжения. Для чего снимали — понятно (для денег), почему сняли именно так — непонятно категорически. На выходе получилась стопроцентная штамповка. Продюсер Круз обычно таких промахов не совершает, да и режиссёр Эдвард Цвик не последний человек, но…

Показательно тут то, что при всех кажущихся выигрышных составляющих, успех всё равно не гарантирован. Задним числом легче лёгкого упрекнуть сюжет в миллионе несуразностей и т.д. Но ведь его читали и утверждали перед съёмками. Значит на что-то рассчитывали и надеялись.

Словом, это даже удивительно. И очень поучительно.

Так вот про «Ледокол» режиссёра Николая Хомерики, где Пётр Фёдоров, Сергей Пускепалис и служебный состав корабля на протяжении 133 долгих дней пытаются понять, как выбраться из плена вечной мерзлоты Антарктиды.

Фильм-катастрофа для отечественного кино — зверь редкий. То ли потому, что требует серьёзных финансовых вложений, то ли потому, что мало кто из режиссёров умеет с ним обращаться. Тут ведь не просто приручить необходимо, но и, в некотором смысле, одомашнить (голливудские шаблоны по понятным причинам не работают, надо с нуля придумывать собственный колорит). Режиссёр Хомерики, тонкий и умный автор, с поставленной задачей успешно справился. Наступив при этом на горло собственной песне. Но этого в подобных случаях, пожалуй, не избежать. Законы данного жанра сделаны из железобетона и покрыты колючей проволокой. Так или иначе под их (законов) дудку плясать придётся, важно — как именно и с какими танцевальными па.

«Ледокол» Хомерики — это производственный кинороман о настоящих мужчинах, которые пытались избежать верной смерти и при этом не сойти с ума. Главные темы картины понятны и очевидны: самопожертвование, мужество, верность собственным идеалам и т.д. Большое кино для массового зрителя с правильным набором смыслов.

Для самого Хомерики, думается, это очень интересный опыт, расширяющий внутренний инструментарий. Прекрасная возможность попробовать что-то новое. Возможность эта была использована по делу и для дела. «Ледокол» — жанровое кино, за которое совсем не стыдно.

Художественный фильм «Инферно» тот самый случай, когда ни режиссёр (уважаемый Рон Ховард), ни главная звезда франшизы (Том Хэнкс) категорически не понимают, что они тут делают. Но делают. Потому что обязательства взяты и контракты подписаны.

Результат соответствующий.

На этой неделе в прокат вышел новый фильм режиссёра Тима Бёртона «Дом странных детей мисс Перегрин», и об необходимо сказать несколько слов. После автобиографической ленты «Большие глаза», где Бёртон вполне успешно поработал на новых для себя путях-дорожках, американец возвращается в родные пенаты мрачной атмосферности, впечатляющих визуальных образов и, что важнее всего остального, глубоких смыслов.

Формально перед нами драматическая сказка о детях с уникальными способностями, которых собрала под своим крылом Ева Грин, ожидающая нашествия злого Сэма Джексона с приспешниками (и когда враг придёт, ему, естественно, будет дан бой). Однако же фундаментальная деталь повествования, а именно время действия (пансионат мисс Перегрин проживает один и тот же день во время Второй Мировой), даёт ответ-подсказку к восприятию и пониманию того, о чём именно снимал Бёртон. Да, его «Дом странных детей» и сказка в том числе, но в первую очередь, это размышление о разрушенном детстве несчастных мальчишек и девчонок, родившихся в середине-конце 1930-х годов. Это взгляд ребёнка на ужасы фашизма и его последствия.

Режиссёр не просто один или два раза использует эту метафору, а выстраивает на ней весь фильм. Всё остальное (например, трогательное признание в любви гениальным братьям Квей или оммаж «Седьмому путешествию Синдбада» Нейтана Юрана) — её (метафоры) обрамление.

После «Трупа невесты» Бёртон попал в замкнутый круг самоповторов. Из плена удалось бежать два года назад. После выхода «Дома странных детей» можно смело утверждать: Тим свободен и он вернулся!

Так вот о «Дуэлянте» режиссёра Алексея Мизгирёва, главной премьере недели. В Санкт-Петербурге образца 1860 года дворянин Яковлев (Пётр Фёдоров) участвует в дуэлях, представляя интересы третьих лиц (дуэльный кодекс это позволял). За прытью молодого человека скрывается прагматичный расчёт. За каждую выигранную на пистолетах схватку он получает деньги от загадочного хозяина, посредником которого является немецкий барон. Вскоре выясняется, что материальной выгодой от столь опасного ремесла дело не ограничивается, и у Яковлева есть свои, личные резоны изо дня в день рисковать жизнью. В это время в светском обществе столицы назревает конфликт между графом Беклемишевым (очередная образцовая работа Владимира Машкова) и князем Тучковым (Павел Табаков).

«Дуэлянт» по своим исходным данным — проект мечты, когда режиссёру-автору дают $10 млн на реализацию собственного сценария. Вот он момент истины, бери и делай, доказывай, что такие суммы (для отечественного кино более чем внушительные) могут быть использованы не только для создания красивой картинки (см. «Экипаж» Лебедева), но и для проговаривания на экране важных смыслов. Тем более, что режиссёр Мизгирёв всегда снимал с прицелом именно на них (смыслы). Неудача стала бы очередным аргументом в бесконечном разговоре о том, что авторы должны не вылезать за свой околоток, и продолжать делать умные, но недорогие фильмы. У Мизгирёва, что очень отрадно, получилось. Его «Дуэлянт» это в высшей степени качественный продукт, рассчитанный на несколько зрительских сегментов.

Как известно, красота в глазах смотрящего. Для тех, кому фамилия режиссёра «Кремня», «Бубен, барабана», «Конвоя» (картин остросоциальных, бескомпромиссных, страшных, снятых по заветам Алексея Октябриновича Балабанова) ни о чём не говорит, история пьющего дворянина-дуэлиста середины XIX века может приглянуться в качестве захватывающего исторического кино, с отличным визуальным рядом, нестыдными актёрскими работами и всамделишной детективной интригой. Для поклонников Мизгирёва (и просто зрителей, имеющих представление хотя бы об одном предыдущем фильме автора) его новая работа — продолжение начатого в 2007 году (премьера «Кремня») диалога.

Режиссёр создаёт новую сюжетную конструкцию, оставляя неизменными свои любимые темы. Главная из которых, изначальная (если хотите, экзистенциальная) неприкаянность всяк и каждого. Антураж и время действия добавляют в эти рассуждения жгучие нотки достоевщины. Не очень приятной на вкус, но настоящей, без фальши. Весь фильм Мизгирёва — это набор зарифмованных между собой метафор, скрытых за выстрелами из пистолетов и питерской слякотью.

Понятно, что дальнейшая судьба этого занятного эксперимента будет определена цифрами бокс-офиса. Вполне возможно, для продюсеров Роднянского и Мелькумова они (цифры) станут сюрпризом не из приятных. Но по-настоящему важно (для зрителей и отечественного кино в целом) другое: на примере «Дуэлянта» окончательно стало ясно, что умное и массовое — синонимы, а не антонимы. И это действительно важный вывод. Пусть и стоимостью $10 млн.